壹、前言
一開始看到是劉振祥老師的二日攝影工作坊，當下沒有遲疑，就馬上報名了。想到前兩次跟老師的相遇，都沒有機會近距離學習，現在能有兩天的相處機會，覺得值得了。
最早知道劉老師是因為鍾導的電影劇照，後來才發現老師起家是從社會新聞攝影開始，還有後續跟雲門舞集將近四十年的劇場照合作，我相信在台灣這一塊土地上，如果要說在劇照這一塊領域的先行者，非劉老師莫屬。他在攝影上的起步與紮根，早在我投胎前就開始了。
貳、從淡水風景開始
工作坊的第一天，先請一位淡水當地的文史工作者分享在地文化，劉老師說這是他希望的，因為他覺得如果攝影只有拍風景的美是不夠的，需要知道當地在人文歷史上的軌跡，這樣的攝影才會有故事性。
後來，老師也分享一些過去的淡水作品，以及他對於拍照的一些思考：
- 為什麼淡水是一個很好拍的地方？因為水＋海＋天，自然成為一個白背景，不用特別搭建舞台，只要把人放進去，就會有感覺。
- 在當時 80 年代，很流行選擇來淡水。那裡有船、有水、有列車，還有歷史感。
- 舉起相機，要拍什麼？對不同的環境和物件要有感觸。
- 不急著按下快門，先看著，慢慢著看。當拿起相機對著景物，還好處理，但如果對著人，心境就不一樣。在街拍時，就會遇到人物，會有很多的狀況，當經驗累積之後，到了一個現場，就可以跟這樣的環境對話。有時，拍人是需要溝通的，要讓他人覺得無害。
- 在這樣以觀光為習慣的場域，怎麼拍出具有溫度的照片？如何建構出淡水的美與溫度？
接下來，就頂著大太陽，跟著老師遊走在不同的歷史古蹟中，有滬尾砲台、一滴水紀念館、紅毛城、滬尾偕醫院以及長多田榮吉故居，由於很少有街拍經驗，以及移動的距離及時間比較多，所以主要是鎖定工作坊的學員與地方景物的相融拍攝為主。
在大雨滂沱前，我們返回到雲門劇場的教室，進行拍攝後的講解，以下是老師講解時的重點：
一、關於時機：
一、關於時機：
- 今天其實是走馬看花，可能很難拍出想要的東西。有些時候是需要等待的，當畫面有觀光客或是人進入，意義就不一樣了。
- 到一個地方，就是等和想，有些東西就會跑出來。會有一種探問，不是空和虛的。如果景物是安靜的，有時可以加入一些元素打破這個安靜，讓畫面更有張力。
- 要多一點想法：如果要拍，會期待在裡面有什麼元素？
- 可以長時間蹲點，在同一個場景裡頭拍攝，當累積到一個量，就會變得很特別，比如：人行步道上，從沒有人到很多人，從白天到晚上，雖然場景不變，但裡面的人物一直改變。
- 如果因為怕拍到人的正面，可以讓人臉或人像變成殘影，這時就以景物的呈現為主。「人」與「景」之間要做出取捨。
- 如果是在觀光景點，觀光客比較不會怕鏡頭；如果想要拍到臉部或是正面，可以喊一下，讓對方看鏡頭。這樣被拍的人是願意的，表情也會看得到。
- 如果對方是認識的或是願意接受拍照，照片拍了就可以使用或發表，畢竟拍照這件事還是有它的倫理層面需要顧及，不能光考慮美學而已。
- 如果要拍「腳」的行走，要注意腳的姿勢與形貌，人字形會比較好看，可以用連拍多拍幾張。
三、關於光影：
- 要展現光影，光映射的所在處，選擇的質地要好一點。（比如：有明晰紋理的牆壁或地板）
- 如果景物照，天空留很多，那要有故事，要有戲，比如：雲朵的形狀與走向；如果沒有故事性，就讓天空是全藍的，或是黑白的。
- 如果是想要拍一個窗框外的景，可以往前一點，以外景為主；也可以往後退一點，包含整個窗框，景物再被窗框包圍著。
- 街拍常遇到的問題，就是會有遊客出現，而這些遊客有時真的非常「遊客」，如果要拿來成為景點說明，配置上就會有點亂。
- 原本的背景是規矩的，人如果要加入，就要有加分效果的，或是可以把人物變得模糊不清，只要看到景點就可以，否則如果人一進來，就會破壞掉景物原本的規矩。
- 可以先想：如果我是繪畫的畫家，我會怎麼畫這一幅畫？一般畫家一開始都會先做速寫，最後再放在畫布上。
- 在選照的時候，可以把同主題或相同類型的變成一組照片，到時候可以同時發表。
- 拍照的方面，在於選擇。拍的時候要給自己多一點選擇。對自己影像的決定，要自己決定好。
- 要確認拍照的意圖是什麼？是個人情緒的抒發嗎？還是有想要傳達給看的人什麼樣的訊息？想要給出的感覺是什麼？
- 需要思考其他不知道照片故事的人，會怎麼看這張照片？需要確認照片的說明性夠不夠。
六、關於美學：
- 在古蹟裡面的紅色圍欄其實很干擾，當初擺放就沒有靠慮到美學角度，很暴力地想保護古蹟環境。
- 紅毛城也是一樣的情況，當想要拍整個建物，就會被干擾，因為在古蹟前面插了一排國旗。
- 有些時候要簡單乾淨，有的時候可以亂到一種極致。
- 如果轉成黑白照片，少了顏色的干擾，會更加聚焦。
- 台灣在很多古蹟或街景上都可以看得出來，並沒有優先站在美學來考量，很多時候是考慮施工的方便性，比如：這邊開一個窗，那邊拉一個線，線也都不藏起來，再加上一個排水管，而這樣的情況在國外是會刻意避開的。
叁、再到雲門劇場
雖然一開始活動簡章有寫會到雲門劇場，但全然不知進到劇場裡拍照的感覺，以及不夠清楚雲門在文化領域所代表的地位與指標性。
在進劇場的前一天，我先問了老師如果要進入劇場拍攝，有需要準備特別的鏡頭嗎？因為不一定會很靠近舞台，所以老師建議要用變焦的鏡頭，焦段可以選 70-200 的，這樣就可以拍到從全身到特寫的不同畫面，那如果沒有這樣的長鏡頭，就盡量坐在第一排。（但事實上，第一排也是要留給舞者及記者）為了要用到那麼長的焦段，我搬出了平時很少上場的 Nikon D7500。
在測光後，老師先幫我們導覽他之前幫雲門拍攝的劇照和紀實照片，很難得可以聽到從拍攝者的角度，講述當時的拍攝背景與成像過程。印象深刻的一張，經過火災後的雲門八里排練場即將要拆除的那一刻，很多成員剛好都在現場，當怪手等大型機具在外準備進場之際，老師就請大家聚在一起拍照留下紀念，因為沒有辦法用超廣角的鏡頭拍攝，所以那一張是老師請大家站定位，一部份一部份取景，最後合成而成的。可以說，展區內的每一張照片，都是雲門走過的痕跡與歷史的見證。
（八里排練場的 Last Dance，by 寬恕）
正式進入春鬥 2026 的記者會現場，我們工作坊的學生就在記者們的後方，我選了一個較遠的位置，坐了下來。因為 Nikon D7500 按下快門時，有不可避免的機械快門聲，對於一片寂靜的劇場，一點點的微微聲響，都有可能影響其他觀眾，於是最後，在快門數不多的情況下，我只選了兩張匈牙利舞者的照片上傳。雖然作品不多，但這真的是一次難得且寶貴的經驗 ──人生有多少次機會，可以進到雲門舞集的劇場內拍照。
總結來說，劇場拍攝的經驗，讓我知道舞蹈是會移動，即便在同一定點都會看到不同畫面，如果再加上光線、舞台效果等，拍攝的變數就會非常多且複雜，絕對不是一個好處理的拍攝現場。
肆、後記
很高興也很充實，度過了兩天的工作坊，除了跟老師近距離的接觸與學習之外，也結交了幾位攝影的好友與同好，可以明顯地看到，我們在同一個時間、同一個地點、同一道光線下，竟然可以產出截然不同的觀看與成像，這件事，讓我感到雀躍不已，也讓我學習欣賞他人的視角，以及找到自己的定位所在。
（工作坊大合照，by 王弼正）